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Introduction
No Place Outside Ring — Lonely Man’s Soul Cry
February 19 is “Professional Wrestling Day.” On this day 1954, Tokyo Kuramae Kokugikan held Japan’s first full-scale professional wrestling international match. Rikidozan and Kimura Masahiko tag team clashed against Canadian Sharp Brothers for NWA World Tag Championship, this match simultaneously broadcast by Nippon Television and NHK, approximately 20,000 spectators packed Shinbashi Station West Exit Square street television.
Era when television not yet widespread in general households, people gathered before street televisions, fanatically watching professional wrestling. Rikidozan successively defeated foreign wrestlers, becoming national hero giving hope and courage to postwar Japanese. Since then, professional wrestling developed as important part of Japanese entertainment culture.
For this special day, recommending 2008 American film The Wrestler. This work depicts story where formerly star elderly professional wrestler, forced retirement by heart attack yet unable finding place living outside ring, stakes life challenging final match.
Professional Wrestling Day celebrates professional wrestling glory and splendor. However, this work depicts behind that glory—loneliness and anguish of wrestlers descending ring, sadness of man who can only prove existence by continuing standing in ring. Director: Darren Aronofsky of Black Swan, starring: Mickey Rourke overlapping his own glory-fall life with role. Won Grand Prize Golden Lion at 65th Venice Film Festival, Rourke himself won Golden Globe Best Actor Award, modern masterpiece.
Basic Information & Synopsis
→ For synopsis and production information, see our Database Article
Director: Darren Aronofsky
Year: 2008
Runtime: 109 minutes
Production: Fox Searchlight Pictures, Wild Bunch
Commemorative Day: Professional Wrestling Day (February 19)
Background Knowledge
Mickey Rourke’s Miracle Comeback
Cannot discuss this work without Mickey Rourke’s life.
1980s, Rourke gained popularity as sexy method actor with 9½ Weeks, Angel Heart. However, 1990s suddenly retired from acting, becoming professional boxer. Suffering facial serious injuries in matches, repeatedly undergoing plastic surgery treating wounds resulted in facial deformation, former beauty lost.
Returning to film industry 2000s, but former brilliance gone, could only appear in low-budget films. Darren Aronofsky director entrusted him with The Wrestler lead role.
Production company proposed budget increase conditional on casting major actor like Nicolas Cage, but Aronofsky insisted on Rourke, decided production with only $6 million low budget.
Rourke former boxer, initially dismissed professional wrestling as “just acting.” However, receiving 3-month training from 1970s-80s active wrestler Afa Anoa’i, filming changed his thinking about professional wrestling.
This work became Rourke’s truly “acting life culmination” overlapping his own glory-fall life with Randy.
Darren Aronofsky Director’s Documentary-Style Method
Aronofsky director known for π, Requiem for a Dream, adopted handheld camera documentary-style filming method in this work.
Camera continuously follows Randy from behind, creating immediacy as if recording his life. Match scenes, supermarket work scenes, daughter conversations—all depicted raw and real.
Aronofsky stated “visual style depends on material. In this story wanted like playground where Mickey could move freely.”
Box Office Results and Acclaim
This work won Grand Prize Golden Lion at 65th Venice Film Festival. Jury chairman Wim Wenders evaluated Mickey Rourke’s performance as “heartbreakingly moving performance.”
Rourke won Best Actor Award 22 times at various film festivals, leading with 66th Golden Globe Best Actor Award. 81st Academy Awards nominated for Best Actor and Best Supporting Actress (Marisa Tomei).
Overall work won 54 awards.
What Makes It Exceptional
Realism Depicting Professional Wrestling Behind Scenes
This work extremely realistically depicts professional wrestling backstage.
Pre-match locker room, wrestlers discuss match flow and finish techniques. “You first chop me, I get thrown to ropes. Then…”—professional wrestling explicitly shown as “scripted entertainment.” However, that doesn’t mean “fake.” Wrestlers actually push bodies hard, endure pain, exert full effort entertaining audience.
Also, scenes depicting wrestlers purchasing, using steroid drugs, painkillers, muscle enhancers vividly shown. They push bodies hard, numbing pain facing matches. Post-match treatment—this work vividly depicts professional wrestler daily life.
Deathmatch scene shows Randy staple-gunned flesh, cut by barbed wire, beaten with fluorescent lights. This not staging, actually techniques Rourke received.
This work makes professional wrestling lovers feel both respect and condolence.
Mickey Rourke’s Overwhelming Presence
This work’s greatest strength is Mickey Rourke’s performance.
Rourke thoroughly trained body for Randy role, actually received professional wrestling training. Match scenes almost entirely Rourke performing himself.
However, this work’s true greatness not physical intensity. It’s Rourke expressing Randy’s loneliness, sadness, hope he can’t give up, final pride with entire body.
Randy’s back sitting alone in locker room. Randy’s face crying after daughter’s rejection. Randy’s lonely eyes smiling talking with customers at supermarket. Randy’s determined expression just before entering ring—all more eloquent than words.
Rourke overlaps his own glory-fall life with Randy. This role for Rourke not mere acting but expressing his own life.
Bruce Springsteen’s Theme Song
Theme song “The Wrestler” new composition Bruce Springsteen wrote after reading letter sent from Mickey Rourke and film screenplay.
Lyrics sing Randy’s loneliness and pride, perfectly expressing film theme. This song won 66th Golden Globe Best Original Song Award.
Also, Randy’s ring entrance music used is Guns N’ Roses “Sweet Child o’ Mine.”
Interestingly, Rourke actually used this song as ring entrance music when he was professional boxer. This work low budget, Axel Rose permitted using this song free.
Marisa Tomei’s Performance
Cassidy role’s Marisa Tomei also shows wonderful performance.
Cassidy also stripper losing youth. She works strip club while raising daughter alone. She like Randy lost past glory, currently lives lonely.
Randy and Cassidy attracted to each other. However, Cassidy bound by own rule “not crossing line with customers.” This her final stronghold protecting herself.
Tomei delicately plays Cassidy’s fragility and strength separately. This work nominated her for Academy Award Best Supporting Actress.
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- Darren Aronofsky – Filmmaker Profile
- Mickey Rourke – Actor Profile
- Marisa Tomei – Actor Profile
はじめに
リングの外に居場所はない——孤独な男の魂の叫び
2月19日は、「プロレスの日」です。1954年のこの日、東京・蔵前国技館で日本初のプロレス本格的国際試合が開催されました。力道山と木村政彦のタッグチームが、カナダのシャープ兄弟とNWA世界タッグ王座をかけて激突したこの試合は、日本テレビとNHKによって同時中継され、新橋駅西口広場の街頭テレビには約2万人もの観衆が詰めかけました。
テレビがまだ一般家庭に普及していなかった時代、人々は街頭テレビの前に集まり、熱狂的にプロレスを観戦しました。力道山は外国人レスラーを次々と倒し、戦後の日本人に希望と勇気を与える国民的ヒーローとなりました。以来、プロレスは日本のエンターテインメント文化の重要な一部として発展してきました。
この特別な日に観る作品として、2008年公開のアメリカ映画『レスラー』を推奨します。本作は、かつてスターだった初老のプロレスラーが、心臓発作で引退を迫られながらも、リング以外に生きる場所を見いだせず、命を賭けて最後の試合に挑む物語です。
プロレスの日が祝うのは、プロレスの栄光と華やかさです。しかし、本作が描くのは、その栄光の裏側——リングを降りたレスラーたちの孤独と苦悩、そして、それでもリングに立ち続けることでしか自分の存在を証明できない男の悲しみです。監督は『ブラック・スワン』のダーレン・アロノフスキー、主演は自身の栄光と転落の人生を役柄に重ね合わせたミッキー・ローク。第65回ヴェネツィア国際映画祭で最高賞の金獅子賞を受賞し、ローク自身もゴールデングローブ賞主演男優賞を獲得した、現代の名作です。
基本情報・あらすじ
→ あらすじや製作情報はデータベース記事へ
監督: ダーレン・アロノフスキー
製作年: 2008年
上映時間: 109分
制作: フォックス・サーチライト・ピクチャーズ、ワイルド・バンチ
記念日: プロレスの日(2月19日)
予備知識
ミッキー・ロークの奇跡の復活
本作を語る上で、主演ミッキー・ロークの人生を抜きには語れません。
1980年代、ロークは『ナインハーフ』『エンゼル・ハート』などでセクシーな演技派俳優として人気を博しました。しかし、1990年代に突然俳優業を引退し、プロボクサーに転身。試合で顔面に大怪我を負い、その傷を治すために整形手術を繰り返した結果、顔は変形し、かつての美貌は失われました。
2000年代に映画界に復帰したものの、かつての輝きはなく、低予算映画にしか出演できない状況でした。そんな彼に、ダーレン・アロノフスキー監督が『レスラー』の主役を任せたのです。
制作会社は、ニコラス・ケイジのような大物俳優を起用することを条件に予算の増額を提案しましたが、アロノフスキーはロークにこだわり、わずか600万ドルという低予算での製作を決断しました。
ロークは元ボクサーであり、当初はプロレスを「ただの演技」と軽視していました。しかし、70年代80年代に活躍したレスラーのアファ・アノアイから3ヶ月間の訓練を受け、撮影を通じてプロレスへの考え方が変わったといいます。
本作は、ロークが自身の栄光と転落の人生をランディに重ね合わせた、まさに「俳優人生の集大成」となりました。
ダーレン・アロノフスキー監督のドキュメンタリー的手法
『π』『レクイエム・フォー・ドリーム』で知られるアロノフスキー監督は、本作で手持ちカメラによるドキュメンタリー風の撮影手法を採用しました。
カメラはランディの背後から彼を追い続け、まるで彼の人生を記録しているかのような臨場感を生み出しています。試合のシーン、スーパーの勤務シーン、娘との会話——すべてが生々しく、リアルに描かれています。
アロノフスキーは「映像スタイルは素材次第。この物語ではミッキーが自由に動ける遊び場のようにしたかった」と語っています。
興行成績と評価
本作は第65回ヴェネツィア国際映画祭で最高賞の金獅子賞を受賞しました。審査員長のヴィム・ヴェンダースは、ミッキー・ロークの演技を「胸が張り裂けそうになるほどの演技」と評価しました。
ロークは第66回ゴールデングローブ賞主演男優賞を筆頭に、各地の映画祭で主演男優賞を22回受賞しました。第81回アカデミー賞では主演男優賞と助演女優賞(マリサ・トメイ)にノミネートされました。
作品全体では、54個の賞を受賞しています。
優れている点
プロレスの裏側を描くリアリズム
本作は、プロレスの舞台裏を極めてリアルに描いています。
試合前の控室で、レスラーたちは試合の流れやフィニッシュの技を打ち合わせします。「お前が最初にチョップを入れて、俺がロープに飛ばされる。それから…」——プロレスは「台本のあるエンターテインメント」であることが明示されます。しかし、それは「偽物」を意味するのではありません。レスラーたちは実際に肉体を酷使し、痛みに耐え、観客を楽しませるために全力を尽くしています。
また、レスラーたちがステロイド剤、鎮痛剤、筋肉増強剤などを購入し、使用するシーンも生々しく描かれています。彼らは肉体を酷使し、痛みを麻痺させながら試合に臨んでいるのです。そして、試合後の治療——本作は、プロレスラーの日常を生々しく描いています。
デスマッチのシーンでは、ホチキスで肉を打ち付けられ、有刺鉄線で切られ、蛍光灯で殴られるランディの姿が映されます。これは演出ではなく、実際にロークが受けた技です。
本作は、プロレスを愛する者にとって、敬意と哀悼の両方を感じさせる作品です。
ミッキー・ロークの圧倒的な存在感
本作最大の優れた点は、ミッキー・ロークの演技です。
ロークは、ランディの役のために肉体を徹底的に鍛え上げ、実際にプロレスの訓練を受けました。試合のシーンは、ほぼすべてロークが自分で演じています。
しかし、本作の真の凄さは、肉体的な迫力ではありません。それは、ロークがランディの孤独、悲しみ、諦めきれない希望、そして最後の誇りを、全身で表現している点です。
控室で一人座るランディの背中。娘に拒絶されて涙を流すランディの顔。スーパーで客と笑顔で話すランディの寂しげな目。リングに上がる直前のランディの決意に満ちた表情——すべてが、言葉以上に雄弁です。
ロークは、自分自身の栄光と転落の人生をランディに重ね合わせています。この役は、ロークにとって単なる演技ではなく、自分自身の人生の表現だったのです。
ブルース・スプリングスティーンの主題歌
主題歌「The Wrestler」は、ブルース・スプリングスティーンがミッキー・ロークから送られた手紙と映画の脚本を読んで書き下ろした新曲です。
歌詞は、ランディの孤独と誇りを歌っており、映画のテーマを完璧に表現しています。この曲は第66回ゴールデングローブ賞オリジナル歌曲賞を受賞しました。
また、ランディのリング入場曲として使われるのは、ガンズ・アンド・ローゼズの「Sweet Child o’ Mine」です。
興味深いことに、ロークは実際にプロボクサーだった頃、リング入場曲としてこの曲を使っていました。本作は低予算だったため、アクセル・ローズは無償でこの曲の使用を許可したといいます。
マリサ・トメイの演技
キャシディ役のマリサ・トメイも、素晴らしい演技を見せています。
キャシディもまた、若さを失いつつあるストリッパーです。彼女は一人で娘を育てながら、ストリップクラブで働いています。彼女もランディと同じように、若い頃の栄光は失われ、現在は孤独に生きています。
ランディとキャシディは、互いに惹かれ合います。しかし、キャシディは「客との一線を越えない」という自分のルールに縛られています。これは、彼女が自分を守るための最後の砦なのです。
トメイは、キャシディの脆さと強さを繊細に演じ分けています。本作で彼女はアカデミー賞助演女優賞にノミネートされました。
