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Introduction
What Is Actually Best for a Child? — A Story of Divorce That Asks What a Father and Mother Can Become
The week of May 5 to 11 is Child Welfare Week in Japan — Kodomo Mannaka Jidou Fukushi Shūkan — dedicated to reflecting, as a whole society, on children and families and the conditions of children’s healthy development. The week begins on Children’s Day and takes its current name from the government policy initiative launched in 2023 to place children “at the center” of social concern.
For the first day of this week, the film to watch is Kramer vs. Kramer (1979), directed by Robert Benton.
The film follows Ted Kramer, a Manhattan advertising executive whose wife Joanna leaves him — and their seven-year-old son Billy — on the same day he comes home from a major professional victory. The next eighteen months are spent with Billy: Ted learning what he has never had to know, Billy adjusting to what has changed, and something genuine building between them. Then Joanna returns, and wants custody.
The film does not resolve the question it raises. It presents the positions of both parents as understandable, refuses to appoint a villain, and places the child’s welfare — not the parents’ grievances — at the center of its concern. That is what makes it last.
Kramer vs. Kramer won five Academy Awards at the 52nd ceremony: Best Picture, Best Director, Best Adapted Screenplay, Best Actor (Dustin Hoffman), and Best Supporting Actress (Meryl Streep). Made for $8 million, it grossed $173 million worldwide and was the top-grossing film in the United States in 1979. Rotten Tomatoes critic score: 90%.
Basic Information & Synopsis
→ For synopsis and production information, see our Database Article
Director: Robert Benton
Year: 1979
Runtime: 105 minutes
Production: Stanley Jaffe Productions, Columbia Pictures
Commemorative Week: Child Welfare Week / Children’s Day (May 5)
Synopsis: Ted Kramer comes home from work excited about a promotion he has just secured. His wife Joanna is leaving. She hands him a bag of Billy’s belongings, tells him she doesn’t know who she is anymore, and walks out. Ted, who has never made a school lunch in his life, is now a single parent. The first breakfast attempt is burned french toast. Over the following months, the routine is built — imperfectly, expensively in terms of Ted’s career, and eventually genuinely. When Joanna returns fifteen months later, re-established and determined, she files for custody. The court proceedings that follow ask the same question the film has been asking from the beginning: what does a child actually need, and who can provide it?
Background Knowledge
The “Divorce Revolution” and Custody Law in 1970s America
The film was made during the period American sociologists called the “divorce revolution.” A broad shift was underway from fault-based divorce — in which the party responsible for the marriage’s breakdown was disadvantaged — to no-fault divorce, in which an irretrievably broken marriage was sufficient grounds. Divorce rates climbed sharply through the 1970s.
Custody law at the time was governed by the “tender years doctrine” — the widely accepted presumption that young children were best raised by their mothers. In 1978, fewer than 10% of single-custody arrangements placed children with their fathers. The film is a direct challenge to that presumption: it argues that the question of who should raise a child is not answerable by presumption, but only by attention to the specific child and the specific circumstances.
The late 1970s were also the period of second-wave feminism’s most active influence on American public life. Joanna’s departure is placed in that context — her need for self-determination, the sense that she has been erased by the role she was assigned. The film does not condemn her for leaving. It makes the conditions of her decision visible.
Behind the Scenes — Casting and Production
Producer Stanley Jaffe and director-writer Robert Benton were both convinced, on reading Avery Corman’s source novel, that no one but Dustin Hoffman could play Ted. Hoffman was going through his own divorce at the time and initially declined. James Caan, Al Pacino, and Jon Voight were approached. Benton eventually persuaded Hoffman in London, and Hoffman later said the film brought him closer to understanding what it means to be a father.
Kate Jackson (unavailable due to Charlie’s Angels scheduling), Faye Dunaway, Jane Fonda, and Ali MacGraw all turned down the role of Joanna before Meryl Streep was cast. Streep had originally been cast in the smaller role of Phyllis — she auditioned, uninvited, in front of Hoffman, Benton, and Jaffe, and won the Joanna role. The set is described as having been marked by professional tension between Hoffman and Streep, though the film that emerged from that tension is a central document in both their careers.
Hoffman brought extensive improvisation and personal material to the production. Benton offered him a co-screenwriting credit; Hoffman declined it.
Japan’s Context — Sole Custody and the Best Interests of the Child
Japan has historically maintained an exclusively sole-custody system: after divorce, one parent holds full parental authority. In 2024, the Civil Code was amended to allow joint custody as an option from 2026 onward, but the shape of post-divorce parenting arrangements remains actively debated. The concept of “the best interests of the child” — codified in the 1989 UN Convention on the Rights of the Child, which Japan has ratified — applies in principle, but the gap between legal principle and actual practice continues to generate public discussion.
The question the film raised in 1979 — what is actually best for a child? — does not have a settled answer in Japan today.
What Makes It Exceptional
The Honesty of Refusing to Take Sides
The film’s most important quality is its refusal to identify a villain. Ted was an absent father — he provided financially and was emotionally missing. That is shown clearly. Joanna left her child. That is also shown clearly. The film does not resolve these facts into a judgment. It renders each character as a person with legitimate reasons for what they have done, who must now navigate consequences they did not fully anticipate.
Roger Ebert: “The characters aren’t just talking to each other; they’re revealing things about themselves, and sometimes seem to be learning about their own motivations in the act of speaking. That’s what makes the movie so affecting.”
Dustin Hoffman’s Performance of Change
The heart of Hoffman’s performance is the arc — the burned french toast of the opening against the effortless morning routine of the later scenes. That is not a change in cooking skill. It is a change in a person.
The scene of Billy’s injury and the run to the hospital. The loss of the job and the 24-hour search for a new one. Hoffman shows what Ted has become through action rather than declaration. He brought significant improvisation to the role — the specificity and rawness of the scenes with Billy reflect work done outside the script.
Meryl Streep’s Twelve Days
Streep’s contractual shooting schedule was twelve days. In that time she carries the film’s ethical weight.
Joanna is absent for most of the film. She is present in the question it keeps asking — was she wrong? The courtroom testimony scene and the final decision are the film’s hardest passages, and Streep handles them without ever simplifying Joanna into either a monster or a martyr. The Academy Award for Best Supporting Actress recognized a performance built from restraint and precision.
Justin Henry’s Natural Performance
Seven-year-old Justin Henry became the youngest actor ever nominated for the Academy Award for Best Supporting Actor. Benton encouraged improvisation; Hoffman prepared every scene with Henry carefully to create genuine comfort between them.
Billy’s confusion, the gradual construction of a new relationship with his father, the complex response to his mother’s return — Henry plays these not as a child performing adult understanding, but as a child feeling things he cannot yet articulate. That quality of genuine childhood rather than acted childhood is what makes the performance rare.
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- Kramer vs. Kramer Database – Synopsis & Production Details
- Robert Benton – Filmmaker Profile
- Dustin Hoffman – Actor Profile
はじめに
子どもの最善の利益とは何か——離婚が問いかける父と母の物語
5月5日から11日は、「こどもまんなか児童福祉週間」です。
1947年に児童福祉法が制定されたことを記念して始まったこの週間は、2023年から「こどもまんなか社会」の実現を目指す政府方針を反映して現在の名称に改称されました。子どもや家庭、子どもの健やかな成長について国民全体で考える期間として、全国で様々な取り組みが行われています。
こどもの日に始まるこの週間の初日に観る作品として、ロバート・ベントン監督による1979年のアメリカ映画**『クレイマー、クレイマー』**（Kramer vs. Kramer）をお薦めします。
本作は、離婚と子どもの親権をめぐる夫婦の葛藤を描きながら、「子どもの最善の利益」とは何かという普遍的な問いを投げかける作品です。仕事一筋だった父親が育児を通じて変わっていく過程、自己実現を求めて家を出た母親が直面する葛藤、そして両親の争いの中で揺れる7歳の少年——三者それぞれの視点が誠実に描かれています。
第52回アカデミー賞で作品賞・監督賞・脚色賞・主演男優賞（ダスティン・ホフマン）・助演女優賞（メリル・ストリープ）の5部門を受賞。製作費800万ドルに対し全世界興収1億7300万ドルを記録し、1979年の全米興収第1位となりました。Rotten Tomatoesで批評家スコア90%、「どちらの側にも肩入れせず、簡単な答えを出さない、思慮深い作品」という評価は今も変わりません。
基本情報・あらすじ
→ あらすじや製作情報はデータベース記事へ
監督: ロバート・ベントン
製作年: 1979年
上映時間: 105分
制作: スタンリー・ジャフェ・プロダクションズ、コロンビア・ピクチャーズ
記念日: こどもまんなか児童福祉週間（5月5日〜）
あらすじ: テッド・クレイマーは昇進を手にした日の夜、帰宅すると妻ジョアンナが出て行こうとしていました。「自分が誰なのかもう分からない」と言い残し、7歳のビリーを置いて去ります。これまで学校の弁当も作ったことがないテッドは、一人で息子を育てることになります。最初の朝食は焦がしたフレンチトースト。18ヶ月かけて、不完全ながらも本物の日常が築かれていきます。そこへジョアンナが戻り、親権を求める訴訟を起こします。法廷は問います——子どもにとって本当に何が最善か、と。
予備知識
1970年代アメリカの「離婚革命」と親権
映画が作られた1970年代後半のアメリカは「離婚革命」と呼ばれる時期でした。それまでの有責主義から破綻主義への移行が進み、離婚率が急上昇していました。
親権判断には「テンダー・イヤーズ・ドクトリン（幼年期の原則）」——特に幼い子どもの養育は母親が適しているという前提——が広く受け入れられており、1978年時点で父親が単独親権を持つケースは10%未満でした。映画はこの前提に正面から挑戦しています。
同時代は第二波フェミニズムの影響により、女性の自己実現が重要なテーマとなっていた時代でもありました。ジョアンナのキャラクターはその文脈に置かれており、映画は彼女を「子捨て」として断罪するのではなく、その行動の背景を理解可能な形で描いています。
制作の舞台裏
プロデューサーのスタンリー・ジャフェと脚本・監督のロバート・ベントンは、エイヴリー・コーマンの原作小説に感動し、テッド役にはダスティン・ホフマン以外は考えられないと確信していました。しかしホフマンは当時自身の離婚を経験しており、最初はオファーを断りました。ジェームズ・カーン、アル・パチーノ、ジョン・ヴォイトにも打診されましたが、最終的にロンドンで説得されてホフマンが受諾。「この映画が父親としての自分に近づかせてくれた」と後に語っています。
ジョアンナ役はケイト・ジャクソン（「チャーリーズ・エンジェル」の撮影スケジュールの都合で断念）、フェイ・ダナウェイ、ジェーン・フォンダ、アリ・マクグローに断られた後、メリル・ストリープが起用されました。ストリープは当初脇役のフィリスとしてキャスティングされていましたが、ホフマン、ベントン、ジャフェの前でオーディションを強行してジョアンナ役を勝ち取りました。
ホフマンは制作に多くの即興と個人的な体験を持ち込み、ベントンは共同脚本クレジットを申し出たがホフマンはそれを断りました。
日本の文脈——単独親権制度と「子の最善の利益」
日本では現在も単独親権制度が維持されており、離婚後は父母どちらかが親権者となります。2024年に民法が改正され、2026年からは共同親権も選択できるようになりますが、離婚後の養育のあり方はまだ議論の途上にあります。
「子の最善の利益」という概念は1989年の国連子どもの権利条約にも明記されており、日本も批准しています。しかし法制度と実態の間には依然として課題があります。映画が1979年に問いかけた「子どもにとって何が本当に良いのか」という問いは、今の日本社会においても答えが出ていません。
優れている点
どちらの側にも肩入れしない誠実さ
本作の最も重要な優れた点は、テッドとジョアンナ、どちらの側にも肩入れしないことです。
テッドは育児を妻に任せきりにしていた「不在の父親」でした。その罪は映画の中で明確に示されています。一方ジョアンナも、ビリーを置いて去ったことの代償を背負っています。映画はどちらかを悪者にするのではなく、それぞれが正当な理由を持つ複雑な人間として描きます。
ロジャー・イーバートは書いています——「登場人物たちはただ会話しているのではなく、自分自身について何かを明かしており、時に自分の動機について学んでいる最中に見える。それがこの映画を感動的にしている」。
ダスティン・ホフマンの「変化する男」の演技
ホフマンの演技の核心は、「変化の過程」を体現することにあります。朝食のフレンチトーストを焦がす冒頭の場面から、映画後半で難なく朝の準備をこなす場面への変化——これは料理スキルの向上ではなく、父親としての成熟を示しています。
ビリーが怪我をして病院へ走るシーン、仕事を失いながらも24時間以内に新しい職を見つけようとするシーン——ホフマンは台詞よりも行動で、テッドが何者になったかを示します。ホフマンは制作に多くの即興と個人的な体験を持ち込み、ベントンは共同脚本クレジットを申し出ましたがホフマンはそれを断りました。
メリル・ストリープの「わずか12日間」
ストリープの撮影日数は契約上わずか12日間でした。しかし彼女はその限られた時間の中で、映画の倫理的重心を担っています。
ジョアンナは画面に現れる時間が少ない。しかし彼女がいない間も、映画の問いの中心にいます——「彼女は間違っていたのか」という問いが、物語全体を貫いています。裁判での証言シーン、そして最後の決断の場面——ストリープは言葉と沈黙の両方で、ジョアンナの複雑さを体現しました。
子役ジャスティン・ヘンリーの自然な演技
7歳のジャスティン・ヘンリーは、アカデミー賞助演男優賞にノミネートされた史上最年少の俳優となりました。ベントンは彼に即興を奨励し、ホフマンは彼と共にすべてのシーンを入念に準備して安心感を与えました。
ビリーの混乱、父親との新しい関係の構築、母親の帰還への複雑な反応——ヘンリーはそれを「子どもの視点」としての自然さで表現しています。大人の論理ではなく、子どもの感情として。
